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¿Qué pasaría si el historial de diseño se reorganizara por color?
 ¿Qué pasaría si el historial de diseño se reorganizara por color?  - SUPERFICIE

 

Sabine Marcelis reinventa los vastos fondos del Museo de Diseño de Vitra por color, flexionando su ojo curatorial y revelando complejidades nunca antes vistas dentro del canon del diseño moderno.

 

 

“Colour Rush”, una instalación de Sabine Marcelis en el Vitra Schaudepot. Fotografía de Mark Niedermann, cortesía del Vitra Design Museum
El Vitra Schaudepot contiene una de las colecciones de muebles modernos más importantes del mundo, acercándose a un espacio sagrado para los entusiastas del diseño. Cientos de piezas clave que van desde la década de 1800 se alinean en los estantes del depósito, destacando grandes del diseño como los maestros modernistas Le Corbusier y Gerrit Rietveld hasta objetos y prototipos impresos en 3D con visión de futuro de las vastas propiedades del Vitra Design Museum. Ubicado dentro de un edificio monolítico de ladrillo rojo de Herzog & de Meuron en el extenso Vitra Campus en Weil am Rhein, Alemania, el archivo funciona como una historia viva del diseño de muebles desde el siglo XIX en adelante. Al Vitra Design Museum de vez en cuando le gusta cambiar las cosas, así que contrataron nada menos que a Sabine Marcelis para reorganizar las posesiones de Schaudepot basándose en un uso atrevido del color. Esa no es una tarea fácil: del vasto archivo de la institución de 7,000 accesorios de diseño de muebles modernos, que están ordenados cronológicamente, solo 400 pudieron pasar el corte.

Marcelis, que proviene de Nueva Zelanda y ahora dirige un estudio de diseño de productos en Róterdam, resultó ser una colaboradora ideal. “Quería abordar esta forma de trabajar en la instalación y el diseño de objetos, en los que hacemos una declaración audaz”, dice en Zoom. “A menudo, un solo gesto fuerte hace que mi trabajo sea lo que es”. Así que aplicó la misma lógica a la exposición, llamada “Color Rush”, que se inauguró este fin de semana y permanecerá expuesta hasta mayo de 2023. El Schaudepot recién reinventado presenta muebles de diferentes estilos y colores que se muestran contra fondos translúcidos en varios tonos, creando un impresionante efecto degradado y una experiencia inmersiva que transmite una comprensión profunda de la colorida historia del diseño moderno.

Y Marcelis es parte de esa historia. Su firma Candy Cube se incluyó recientemente en la colección permanente de Schaudepot, agregando una dosis bienvenida de estilo empalagoso a archivos que pueden sentirse definidos en gran medida por el minimalismo escandinavo y el acero tubular. Alcanzó ese hito siguiendo rigurosamente sus experimentos con materiales en curso, principalmente relacionados con cómo los reflejos de la luz y el agua resaltan las deslumbrantes propiedades translúcidas del vidrio y la resina. Sus piezas brillantes son codiciadas tanto por coleccionistas como por usuarios de Instagram y la han impulsado al estrellato del diseño de facto durante la última década, consiguiendo sus encargos de alto perfil para marcas como Fendi, Burberry y Aesop, entre otros. Lorde, una compañera kiwi y destacada sinestésica, incluso se cuenta a sí misma como fan, actuando junto a un Candy Cube durante su 2017. Melodrama recorrido.

Hablamos con Marcelis, quien nos contó cómo mantuvo la calma mientras enfrentaba la inmensa tarea de ver “Color Rush” hasta su finalización.

Sabine Marcelis con su Candy Cube y Boa Puf. Fotografía de Mark Niedermann, cortesía del Vitra Design Museum
¿Puedes recordar la primera vez que experimentaste el poder del color, ya sea en el diseño o en general?¡Nunca me han preguntado eso! Pasé muchos años practicando snowboard y recuerdo que me sorprendió cómo las gafas de colores afectan la experiencia del espacio que te rodea. La luz plana hace que sea difícil discernir la profundidad o la diferencia entre el cielo y la nieve, pero las gafas rojas filtran la luz de manera diferente para que puedas ver mucho más. Si hace sol, puede usar gafas reflectantes para que la luz rebote. Eso era algo que me fascinaba mucho cuando aún no estaba haciendo nada relacionado con el diseño; Empecé a estudiar diseño cuando tenía 21 años. Esa fue sin duda una inspiración temprana para mi forma de trabajar ahora, que filtra la luz a través del color y viceversa.

¡Así que el snowboard plantó la semilla para algunos de tus trabajos futuros!

Seguro, y viendo como se comporta el cielo sobre el nivel del mar en las pistas. A menudo, cuando hacía snowboard en Nueva Zelanda, estaba por encima del manto de nubes. Siempre he apreciado mi entorno cuando hago snowboard, y todavía trato de capturar ese tipo de naturaleza en mi trabajo.

Cuando Vitra llamó, ¿cuáles fueron algunas de sus ideas iniciales? ¿Sabías ya que te centrarías en el color?

En mi llamada de intercambio de ideas con Mateo [Kries, director of the Vitra Design Museum], aterrizamos muy rápidamente en el color como tema. No lo digo de forma negativa, pero no diseño desde un punto de vista súper académico o filosófico. Intento trabajar con materiales y empujar las limitaciones dentro de eso. A menudo, un solo gesto fuerte hace que mi trabajo sea lo que es.

No tengo ninguna experiencia haciendo escenografía de museo. Dentro de ese entorno, a menudo lo que se presenta es más pesado y más académico. Quería abordar esto más como trabajo en el diseño de instalaciones y objetos, en el que hacemos una declaración audaz. Aquí, la colección se clasifica por color, lo que elimina las otras características de cada objeto, creando más libertad para interpretar las piezas cuando se colocan una al lado de la otra. Puedes tener una silla de principios del siglo XX junto a un objeto diseñado el año pasado. Obtienes interesantes yuxtaposiciones de diferencias materiales. Quería ser singular en el gesto y asegurarme de que fuera poderoso.

“Colour Rush”, una instalación de Sabine Marcelis en el Vitra Schaudepot. Fotografía de Mark Niedermann, cortesía del Vitra Design Museum
La guía de la exposición menciona algunas referencias cruzadas entre épocas y estilos ahora que todo el mobiliario está dispuesto en un nuevo contexto. ¿Cuáles fueron algunas de sus revelaciones más interesantes mientras pasaba por este proceso?Nunca he sido un gran admirador del marrón como color, pero la sección marrón de la exposición podría ser mi favorita. Cuando piensas en muebles marrones, quizás lo primero que piensas es en un sofá de cuero o de madera, y ahí termina. Nuestra sección tiene un televisor de madera junto a una silla hecha de plexiglás y llena de granos de maíz. Cuando las cosas se agrupan por color, la parte más interesante para mí es descubrir la diversidad de materiales que comparten el mismo esquema de color.

La colección del museo abarca continentes y períodos de tiempo, pero hay muy poco verde y azul, y especialmente poco rosa y morado. Luchamos para llenar esos colores, pero hay una gran cantidad de rojo y negro. Podrías hacer toda esta exposición solo en el color negro. En todo caso, dice que el negro y el marrón son atemporales. También lo son los objetos que son fieles a su material. Hay un montón de muebles de metal: tenemos una sección gris que es casi principalmente de metal sin recubrimiento, seguida de cerca por colores cálidos.

La colección tiene alrededor de 7000 objetos, pero “Colour Rush” solo contiene 400. ¿Puedes contarme sobre tu proceso de selección/curaduría? ¿Qué cualidades específicas, además del color, estabas buscando en los objetos que se incluyeron?

Tuvimos que empezar con algunas restricciones, ¡porque 7000 piezas es una cantidad increíble! La diversidad fue el primer punto. Queríamos representar a todos los continentes e incluir tantas piezas de mujeres como fuera posible. También éramos estrictos con la forma en que se usaba el color en el objeto: muchas piezas tienen varios colores, un patrón o un toque de un color. Esos no los consideramos. Solo miramos diseños que son completamente de un color, o con una estructura metálica de soporte, o un toque de neutrales. Eso redujo significativamente el número. Luego tratamos de incluir las piezas más interesantes e icónicas, y las piezas que son importantes por cualquier motivo.

¿Cuál fue el mayor desafío de ver a través de un proyecto de esta escala e importancia?

Es una responsabilidad, pero por eso no quería tener un concepto cargado. No hay mucho que comentar aparte del color. El mayor desafío fue que el archivo tiene imágenes de cada objeto, pero a menudo son de mala calidad o tergiversan el color o la escala. Trabajamos a partir de este enorme documento que contiene todas las piezas y tratamos de comprender a partir de una imagen plana y de mala calidad cómo se vería en tres dimensiones. Algunas piezas resultaron ser mucho más grandes de lo que pensábamos en la versión 2-D.

Estoy acostumbrado a ser táctil con todo. Soy mucho mejor experimentando y diseñando con materiales frente a mí. Por supuesto, fuimos a los archivos y vimos las piezas almacenadas en los estantes. ¡Organizar el programa únicamente en la computadora durante tanto tiempo no es fácil!

“Colour Rush”, una instalación de Sabine Marcelis en el Vitra Schaudepot. Fotografía de Mark Niedermann, cortesía del Vitra Design Museum
Ahora parece un momento ideal para llevar a cabo un proyecto como este porque Vitra publicó hace poco tiempo el Atlas de Diseño de Mobiliario.¡Absolutamente! Teníamos eso sobre la mesa constantemente.

Documentos de los archivos del Vitra Design Museum de la talla de Verner Panton, Alexander Girard y Hella Jongerius acompañan la muestra. ¿Cómo han influido estos diseñadores en tu percepción del color?

Disponemos de una sección de estudios de color a cargo de diseñadores. El color es un tema tan amplio, por lo que queríamos presentar material adicional. Fuimos bastante estrictos con lo que debíamos incluir: tenía que ser de un diseñador y mostrar cómo había realizado un estudio de color o cómo había interpretado el color de cierta manera. Obviamente, hay una ley física sobre cómo funciona el color, por lo que el papel del diseñador es dar ese significado adicional colocando los colores juntos.

Hay una enorme colección de Verner Panton aquí. Tiene una obra tan grande, y gran parte de ella es genial. Una de mis piezas favoritas es una gran versión naranja de Living Tower. Lo más divertido de armar este programa es comparar manzanas con naranjas. Living Tower está pensando en cómo las personas pueden estar juntas en un mueble, lo cual es muy interesante y revolucionario, y otras piezas tienen más que ver con un proceso de producción optimizado.

Siempre he tratado el color no como algo sólido o permanente. Pienso en los artistas de Light and Space como Helen Pashgian y DeWain Valentine, cuyo uso del color es inspirador porque trabajan con la profundidad del color a través de la resina y el vidrio. Su uso del color le da mucha más dimensión porque juega con la intensidad de todo dentro de un objeto.

También realicé un estudio de color para Vitra Schaudepot, en el que tomé un color como bloque de resina y lo desempaqué en un grupo de 70 bloques diferentes. Comienza con el color en sí y continúa agregando más blanco o negro a la receta con una intensidad y saturación decrecientes. Muestra cómo el color puede reaccionar dentro de un material, cómo puede cambiar la experiencia de ese material y cómo uno experimenta el color si el material está pulido o mate. Estos manejos afectan la percepción del color dentro del material. Ahí es donde radica mi principal fascinación por el color.

“Colour Rush”, una instalación de Sabine Marcelis en el Vitra Schaudepot. Fotografía de Mark Niedermann, cortesía del Vitra Design Museum
“Colour Rush”, una instalación de Sabine Marcelis en el Vitra Schaudepot. Fotografía de Mark Niedermann, cortesía del Vitra Design Museum
Después de “Colour Rush”, ¿crees que enfocarás el color de manera diferente en tu trabajo? ¡No sé! No he pensado en eso. Todavía no he tenido grandes revelaciones con respecto al color. “Colour Rush” es muy diferente en comparación con la forma en que trabajo normalmente. Es más un ejercicio de categorización que de creación. La mayoría de los diseños a la vista son sillas o sofás, por lo que la mejor parte es ver de cuántas maneras diferentes los diseñadores han interpretado un elemento de asiento. Es una celebración de la creatividad en la que hay infinitas formas de reinterpretar ese objeto singular.

¿Qué espera que los visitantes se lleven al ver la colección presentada bajo esta nueva luz?

Solo espero que sea una forma fácil de digerir de ver muchos diseños diferentes y que muestre esta historia de genio creativo a través de yuxtaposiciones interesantes. Un ejemplo es una silla infantil para usar el inodoro que está justo al lado de una súper pieza de Joe Colombo de los años 60. Me imagino a este niño sentado en este orinal, y luego casi una orgía en el Colombo. ¿Dónde se habrían colocado estos artículos en el pasado?

Probablemente nunca habrían interactuado de otra manera. Bueno, espero que no…

¡Decir ah!

Comentarios de otros artículos

  1. Yo tengo un problema, mis hijos no se quieren venir conmigo pero son chiquitos y mi marido los compra con…

  2. Doctor usted me puede curar una hemorroide externa???? No puedo con el dolor, vivo en canal nacional.

  3. Ya lo sigo en Tiktok. Esta usted muy guapo Licenciado. Gracias por compartirnos su talento. 🥰

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